Ya desde niño, el arquitecto veneciano Carlo Scarpa tuvo muy presente el elemento fundamental que describirá y fundamentará su obra muchos años después: el agua. Cuando jugaba y correteaba entre ese entramado de calles y canales, Scarpa escuchaba todo lo que le rodeaba, especialmente la riqueza de estímulos que su ciudad natal le ofrecía. Lector sensible de lugares, encontrará en Venecia su gran texto. Dicha cultura por lo sutil, lo casi académico, de no ser por esa devoción por la escenografía y lo esotérico, va construyéndose con el paso del tiempo; el arte, el espacio, la historia, todo ello compilado en sus lecturas, viajes hacia el saber, y en su contacto con artistas y escritores.

Scarpa basará su evolución como arquitecto en su extraordinaria cultura visual y en su respeto por la tradición y el modo de hacer de épocas pasadas; recogiendo el testigo de dicho tiempo y reconvirtiendo su realidad, en forma de espacio arquitectónico donde todas las piezas son unidades independientes, dialogando entre sí o, como a él le gustaba decir, cantando. Se posiciona ante lo existente, bien pieza artística o espacio arquitectónico, desde el conocimiento y la sensibilidad. Aprehenderá la historia y el lugar en que se produce, y acentuará la belleza existente en las cosas mostrando el protagonismo de lo nuevo como preciado elemento.

Muchos pioneros son inoportunos, llegan demasiado pronto. José Miguel de Prada Poole [1938-actualidad] no es una excepción, sino que ocupa su puesto en la historia como uno de los arquitectos más singulares, más alejados de la norma, y más personalistas del siglo XX en España. Precursor de la arquitectura basada en superficies neumáticas, sin duda la tendencia pop de la época —representada en figuras como Archigram, Archizoom o el Team 10— influyó en la caracterización de su forma de hacer. Siempre se mostró peculiarmente interesado en el “trabajo móvil y desplegable” de las vanguardias, concretamente ejemplificado en aquellas estructuras capaces de dar respuesta variable a un uso cambiante. En suma, podemos considerarlo como uno de los primeros arquitectos que acuñaron términos como la ‘sostenibilidad’ dentro de un ámbito puramente arquitectónico: todas sus obras minimizaron el consumo energético o fueron capaces de generar microclimas por sí mismas.

El Ayuntamiento de Barcelona, el Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC) y la Fundación Mies van der Rohe, en colaboración con Barcelona Building Construmat y ArquinFAD, impulsan la Semana de Arquitectura 2019, una iniciativa para la ciudadanía que tendrá lugar en diferentes escenarios de Barcelona del 9 al 19 de mayo.

Durante estos días, Barcelona se convertirá en el epicentro de un amplio abanico de actividades relacionadas con el mundo de la arquitectura y la ciudad, más allá de las fronteras disciplinarias y territoriales. Además, sumergidos en el centenario de la fundación de la escuela de diseño y arquitectura Bauhaus, la edición de este año pondrá énfasis en el legado de los diferentes movimientos arquitectónicos de principios del siglo XX.

Iconoclasta, pintor, músico, fotógrafo, visionario, genio… y arquitecto. Fernando Higueras [Madrid, 1930-2008] dejó su sello en la historia de la arquitectura española de un modo emocional, mostrando la arquitectura desde su cualidad más esencial.

Nacido en Madrid el 26 de noviembre de 1930, Fernando Higueras fue, como muchos otros, arquitecto exponente de la modernidad arquitectónica tardía de los años 60 en España. Su forma de hacer, lejos de ser novedosa o excepcional, nos repetía la eterna lección sobre el proceso creativo. No bastaba con el talento y la gracia, sino que estos debían de ir acompañados de una ingente dosis de tesón y, sobre todo, de afición.

José Luis Fernández del Amo (1914-1995) se inscribe en el panorama de la arquitectura española de posguerra, acompañado de proyectos y obras distanciados del aura académica. Sus trabajos circulan como mensajes clandestinos que descubren caminos, insinúan verdades, apoyan voluntades y desaparecen entre una multitud poblada de diversos intereses. En su persona, como en muchos de los hombres de su generación, se da la circunstancia de tener que iniciar su biografía profesional atrapado entre los conflictos de una decepción y un cambio de actitud espiritual ante la vida. Decepción ante la lacerante crueldad de una guerra civil que provoca, entre aquellos que la sufren, un cambio interno frente al drama que estos conflictos desarrollan.

El abandonado edificio industrial de la Fábrica Clesa, el cual cerró sus puertas de manera definitiva allá por 2012, después de casi dos años en concurso de acreedores, busca convertirse en el ‘Matadero’ del norte de Madrid. El área industrial, ubicada en la avenida de Cardenal Herrera Oria 67, fue proyectada en 1959 por el arquitecto Alejandro de la Sota e inaugurada finalmente en 1962. Sus 37.928 m2 de antigua lechería pasan ahora a las manos del Ayuntamiento de Madrid, el cual persigue convertir los mismos en un gran “contenedor cultural”.

¿Cómo re-activar la Plaza de la Vaguada dentro de un entorno donde poder vincularnos de una forma distinta? ¿Cómo enfatizar el carácter de la convivencia para generar otros campos de complicidad y empatía entre los habitantes y el entorno que les rodea? ‘Acciones Extra←Ordinarias’ es un proyecto de arte público desarrollado en el Parque de La Vaguada desde junio de 2018, dentro del marco del programa ‘Imagina Madrid’. En él, el equipo artístico formado por Estelle Julian, Paula Valero y C+Arquitectos, junto con la colaboración de Leonor Martín, pretenden llenar la plaza de acciones; las cuales van desde lo performativo a la intervención espacial, articulando nuevos vínculos entre las múltiples comunidades del distrito y devolviendo la convivialidad, el deseo y la alegría a este lugar anteriormente abandonado.

FINSA, pionera en la fabricación de tableros de madera aglomerada y MDF en la Península Ibérica, ha decido apostar por dos estudios españoles de referencia en sus ámbitos, ENORME Studio y Vitamin-arte, para la realización de una nueva instalación recientemente expuesta en la Milan Design Week 2019. Ambos pueden ser considerados como precursores del enaltecimiento de lo efímero; de las nuevas tendencias que irrumpen en este tiempo de desconcierto social e identitario. Dos estudios que no persiguen sino el desarrollo de estrategias innovadoras capaces de manifestarse en experiencias de una espacialidad interactiva casi única.

Columna [Sust. f. del lat. columna] Elemento de soporte vertical y alargado, generalmente de sección circular, que sirve para decorar y soportar otros elementos estructurales. 

Fernando Higueras (1930-2008), exponente de la modernidad arquitectónica tardía de los años 60 en España, fue junto con muchos otros uno de aquellos jóvenes ícaros que estaban obsesionados con tocar el sol. Su arquitectura, lejos de cumplir con las rígidas pautas que conformaban la realidad de la época, se elevaba por encima del plano terrenal con una única meta: conquistar lo desconocido. Ya entonces, llegó a la conclusión de que la arquitectura moderna estaba equivocada, de que nada tenía sentido. Miraba a su alrededor, a figuras como Le Corbusier, Mies van der Rohe -sus cubiertas planas, su obstinada obsesión por la ligereza- y nada cuadraba para él. Su actitud indudablemente reaccionaria le llevó, ya desde joven, a mostrar la temprana osadía de revelarse contra la hipocresía de los triunfadores.

Alberto Campo Baeza, uno de los arquitectos más reconocidos internacionalmente al día de hoy, ha sido seleccionado como nuevo miembro de la ‘Honorary Fellowship’ de la American Institute of Architects [AIA]. Dicha organización, fundada en 1857, representa los intereses de los arquitectos norteamericanos, como el CSCA Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos lo hace en España. Cuenta en la actualidad con más de 90.000 miembros de los cuales, paralelamente, sólo unos pocos son seleccionados para forma parte del ‘College of Fellows’ del Instituto con el título de FAIA.

Campo Baeza se suma a la no tan larga lista de ‘Honorary Fellowship’ del American Institute of Architects. Acompaña, de esta manera, a otros arquitectos españoles como Rafael Moneo, Juan Navarro Baldeweg, Enrique Sobejano o Fuensanta Nieto; además de otros arquitectos europeos de igualmente reconocido prestigio como Alvaro Siza y Eduardo Souto de Moura y David Chipperfield.

Medio centenar de los mejores proyectistas del momento -acudiendo a la llamada del ‘Now Institute’ y de su director Thom Mayne- fueron convocados para valorar la huella arquitectónica del pasado siglo. ¿El objetivo? Realizar una lista cerrada de 100 edificios que configuren, a su parecer, las 100 realizaciones arquitectónicas más reseñables del siglo XX. Figuras como Tadao Ando, Steven Holl, Richard Rogers, Kazuyo Sejima, Toyo Ito, Rafael Moneo, Kengo Kuma, Denise Scott Brown, y otros tantos, conformaron en esta ocasión el jurado de votación.

En ocasiones la arquitectura se presenta como objeto de responsabilidad, como un ejercicio de reconocimiento de su autoría, con el objetivo de definirla y delimitarla. Nos urge la necesidad de saber quién fue su autor, de reconocer a quien fue capaz de la realización de tales invenciones. Otras tantas veces, la arquitectura no reclama la presencia de responsable alguno; de ahí que se hable de arquitectura anónima o “arquitectura sin arquitectos”, es decir, una arquitectura meramente popular. En el caso de Carme Pinós, inevitablemente, lo construido habla de quién lo construyó. Su arquitectura deja entrever la energía que emana de su persona. Una arquitectura vibrante, directa, tensa; recorrida por una continua agitación que la domina. En ella, los elementos están en continuo movimiento de una forma totalmente infundada, no por su propia virtud.

La cultura más importante de la arquitectura moderna castellana, y del siglo XX, nació de la mano de Rafael Aburto [1913-2014] y sus coetáneos; de esa generación olvidada. Una generación de entreguerras, de trincheras no sólo en batalla, sino también arquitectónicas. Un compendio de arquitectos que tuvieron que afrontar, además de los estragos de la guerra civil española, un tradicionalismo inocuo; rodeados de profesionales que no habían leído, ni sabían, ni habían visto casi nada. La tradición era la que soportaba las cosas, en este caso la española. La propia guerra civil marcó un revés generacional en la profesión, como no podía ser de otra manera; pero no sólo en la correspondida a Rafael Aburto, sino también en las venideras.

La diferencia generacional pasaba por el único filtro de haber hecho la guerra. Oíza tenía dieciocho años cuando estalló la misma; Sota, Cabrero, Coderch, Aburto… fueron reclamados para la batalla, combatiendo en el bando nacional en su mayoría. Una vez finalizada la guerra, la imagen de España no recuerda la que tenía una vez que esta comenzó; y el pensamiento arquitectónico tampoco. Los arquitectos, de vuelta a la profesión en los años cuarenta, se encuentran con una tradición ya anticuada, prácticamente inservible; y también con una modernidad precaria, en la que no había densidad ni conocimiento. Es por ello que personajes como Aburto irrumpen, esos arquitectos de la generación de posguerra, asumiendo un papel de pioneros o, al menos, mostrando su empeño por romper con los lazos del academicismo y abrazar una modernidad propia.

El modelo convencional de ciudad establece unos límites muy claros y concretos entre lo público y lo privado. En él, lo definido como “urbano” siempre se ha correspondido con el entorno público, mientras que lo “doméstico” definía los límites de lo privado. No obstante, las sociedades no son ajenas al cambio y la evolución; y el urbanismo tampoco. Aquellos conceptos tradicionales de lo urbano y lo doméstico se están volviendo obsoletos; viéndose transformados en concepciones aumentadas y más actualizadas. Es precisamente alrededor de ese límite difuso, entre lo que parece urbano y lo que parece doméstico, donde se construye la nueva esfera de lo público. 

Este es el leitmotiv que promulga la intervención ‘Dom Project’: conseguir establecer un gradiente de espacios donde lo urbano y lo doméstico no estén delimitados tan claramente; sino que se colonicen entre sí, aflorando ciertos usos y programas públicos dentro del ‘Bloque de Viviendas’. El proyecto se presentó en el Concurso Internacional de Arquitectura ‘Open International Competition for Alternative Layout Designs in Standard Housing’, organizado por el Ministerio de Construcción, Industria, Vivienda e Infraestructura de Rusia junto con la Unified Development Institution in the Housing Sector y la firma Strelka KB; obteniendo el segundo de los galardones.

Tal vez las palabras ‘Arquitectura Ficción’ no suenen a nada si se escuchan sin un contexto que las encuadre. Dicho contexto, dichas palabras, son uno de los retos que la gente de ENORME Studio se ha propuesto definir. Su manera de aproximarse a la arquitectura, de tantear los límites de la misma, nace de una actitud radical y rompedora ¿Su objetivo? Muy simple: hacer ‘arquitectura sin arquitectura’. En otras palabras, desnudar las modas y tendencias con los que la arquitectura de hoy se viste y mostrarla sin pudor ninguno como lo que es: una gran mentira.

El pasado martes 19 de febrero se presentaba el libro ‘Años alejandrinos’ en la sede de la Galería Ivorypress, en Madrid. Luis Fernández-Galiano, autor del texto, exponía los contenidos del mismo acompañado de sendos premios Pritzker: Rafael Moneo, a un lado, y Norman Foster al otro. “Es muy difícil encontrar a un crítico con la formación de Luis”, comentaba Moneo; mientras que Foster, de forma anecdótica, explicaba cómo insta a sus hijos a leer de manera obligada la obra del crítico de Calatayud.