En lo que respecta a la historia, el arte y la arquitectura siempre han sido disciplinas interrelacionadas. Desde la elaboración del movimiento barroco hasta el marco geométrico del modernismo, los arquitectos se inspiraron en enfoques, técnicas y conceptos estilísticos de los movimientos artísticos históricos y los tradujeron en estructuras habitables a gran escala. En este artículo, exploramos 5 de los muchos movimientos artísticos que allanaron el camino para la arquitectura moderna, analizando cómo los arquitectos tomaron prestado de sus características y enfoques de diseño para crear sus propias composiciones arquitectónicas.
Jugendstil
Los historiadores del arte tienen historias contradictorias sobre quién fue el fundador del movimiento Jugendstil. Algunos creen que a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, el artista suizo Hermann Obrist lanzó el movimiento artístico Jugendstil en Munich, inspirándose en la revista de arte alemana Die Jugend (en alemán: la juventud). Aunque el artista inicialmente estudió botánica e historia, fueron sus viajes al campo y sus intrincadas observaciones de las formas orgánicas y los movimientos de la naturaleza los que llevaron a la creación del estilo. Otros historiadores explican que fue de hecho un grupo de artistas visuales, a saber, Georg Hirth, Peter Behrens y Otto Eckmann, por nombrar algunos, quienes inauguraron Jugend en 1896 como un medio de rebelión contra el neoclasicismo de las instituciones de arte y arquitectura. Las características prominentes de Jugendstil incluyeron motivos florales, líneas de formas orgánicas, flora y fauna, paisajes y, lo más importante, la relación armoniosa entre el ser humano y la naturaleza. Estas características se tradujeron en arquitectura y diseño de muebles como Art Nouveau, un movimiento internacional que resaltó las líneas orgánicas, los motivos inspirados en la naturaleza, el movimiento y el uso de materiales naturales y de ingeniería. Algunas de las primeras casas Art Nouveau fueron construidas en Bruselas por Paul Hankar y Victor Horta, y presentaban motivos elaborados y artesanía intrincada, desdibujando las líneas entre la arquitectura y la naturaleza.
Dadaismo
Considerado como un movimiento artístico "rebelde y revolucionario" a principios del siglo XX, se dice que el arte dadaísta se creó por primera vez en un club nocturno artístico en Zúrich, Suiza, llamado "Cabaret Voltaire" después de que muchos creativos opuestos a la guerra buscaran refugio en el país. El movimiento ganó impulso de 1916 a 1924 principalmente en Suiza, París y Nueva York, y contó con obras de artistas notables como Hugo Ball (el fundador del movimiento), Marcel Duchamp, Hans Arp y Sophie Taeuber-Arp, por nombrar algunos. Los artistas de vanguardia radical querían ridiculizar la guerra y la cultura capitalista, por lo que recurrieron a conceptos irracionales del arte que mostraban el humor, cuestionando la autoridad y la realidad a través de un enfoque “antiarte”.
Esta experimentación inspiró a arquitectos como Otto Wagner, Erich Mendelsohn y Adolf Loos a repensar la ornamentación, la forma y los materiales, creando edificios que eran completamente diferentes a los que se estaban construyendo en ese momento. El Pabellón de Cristal en Colonia, Alemania, de Bruno Taut, por ejemplo, rompió la norma de la arquitectura y el diseño, siendo el primero de su tipo en utilizar hormigón con una cúpula de cristal geométrica prominente. Kurt Schwitters, arquitecto convertido en diseñador gráfico se hizo conocido por sus instalaciones vanguardistas que creó en su propia casa, alterando el concepto de espacio doméstico en algo completamente diferente y poco ortodoxo. El dadaísmo allanó el camino para que muchos arquitectos reconsideraran la "arquitectura tradicional" y fue uno de los primeros que inspiró a los arquitectos a mirar más allá de la arquitectura y ver los edificios como esculturas, lanzando movimientos como el deconstructivismo, uno de los estilos arquitectónicos más estudiados del siglo XXI por Daniel Libeskind, Frank Gehry y Peter Cook, entre muchos otros grandes nombres en el campo.
De Stijl
“Hablamos de pintura concreta y no abstracta porque nada es más concreto, más real que un color, una línea y una superficie” - Theo van Doesburg. En 1917, el movimiento De Stijl con sede en los Países Bajos, dirigido por los pintores Theo van Doesburg y Piet Mondrian, quiso resaltar la fusión ideal de forma y función. Al igual que el dadaísmo, el movimiento también fue una respuesta al caos de la Primera Guerra Mundial, por lo que crearon un lenguaje visual que consiste en formas geométricas refinadas (a menudo rectángulos, cuadrados y líneas rectas) con colores primarios. Muchos creen que el movimiento y sus principios también se opusieron al estruendo visual del Art Deco y encontraron una inspiración indirecta en el cubismo. La influencia de De Stijl en el campo de la arquitectura ayudó a inspirar el lanzamiento del Estilo Internacional de las décadas de 1920 y 1930, también conocido como Modernismo. El uso de formas y colores esenciales de De Stijl con elementos horizontales y verticales simples, como se ve en proyectos como la Casa Rietveld Schroder de Gerrit Rietveld y Café l'Aubette de Theo van Doesburg, permitió la flexibilidad y la transformación del espacio, lo que significa que no había disposiciones jerárquicas de habitaciones de planos en planta, solo planos independientes que componen espacios en función del programa y las necesidades del usuario. De hecho, la composición estructural de la Casa Schroder ha sido objeto de estudio de muchos arquitectos, artistas e historiadores.
Arte Pop
El Arte Pop introdujo un enfoque completamente nuevo del diseño, inspirándose en los medios, la producción en masa y la cultura pop. El movimiento apareció por primera vez en el Reino Unido en la década de 1950, cuando las condiciones económicas y sociales posteriores a la Segunda Guerra Mundial llevaron a los artistas a celebrar objetos cotidianos y mundanos para transformarlos en bellas artes. Muy pronto, artistas estadounidenses como Andy Warhol y Roy Lichtenstein se unieron al movimiento y se convirtieron en pioneros, reemplazando el arte histórico con otro visualmente vibrante producido en masa y orientado a los medios. En cuanto a la arquitectura, el movimiento inspiró a los arquitectos a liberarse de la linealidad y modestia del modernismo para optar por estructuras que desafían lo que se consideraba “normal” en ese entonces. Al igual que el enfoque en el arte, la producción en masa y el comercialismo ocuparon un lugar destacado en la arquitectura, impulsando el uso de la tecnología, el señalismo y el consumo masivo. Las fachadas, los espacios interiores y los espacios públicos se convirtieron en lienzos de experimentación con la luz, el color, las formas irregulares y la escala poco convencional.
Surrealismo
Explicado por el nombre mismo, el surrealismo exploró el arte visual y la literatura como un medio para “revolucionar la experiencia humana” a través de imágenes no convencionales. Acuñado por el poeta vanguardista francés Guillaume Apollinaire entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, el arte surrealista se convirtió en un movimiento que promueve la liberación de la mente y la expresión del artista, creando lo que describen como realidades alternativas y exploración de la psique. La técnica y las características surrealistas incluían escalas y perspectivas distorsionadas, materiales no convencionales así como composiciones y capas colectivas. Desde su ascenso a la popularidad, artistas como Salvador Dali y Frederick Kiesler han moldeado profundamente la arquitectura de los siglos XX y XXI. Ya sea a través de interiores que representan imágenes simbólicas literales, el uso de técnicas de trampantojo para crear ilusión, la icónica Endless House del arquitecto austriaco-estadounidense Frederick Kiesler o el Vitra Design Museum de Frank Gehry, el movimiento produjo conceptos radicales de lo que podría definirse como arquitectura.
