.gif?1448009184)
Inaugurando su primera edición durante el mes pasado, la Bienal de Arquitectura de Chicago abrió el diálogo para responder a la premisa de la exposición sobre el estado del arte de la arquitectura actual, y teniendo como propósito inicial reunir a importantes personajes de la arquitectura contemporánea para explorar las diversas ideologías y prácticas de la profesión internacional.
En el ámbito mexicano, seis fueron los seleccionados para participar en esta gran vitrina que se presenta por primera vez en América y que busca ser la más grande exhibición en esta parte del mundo. Descubre la distintiva participación de Pedro&Juana, Santiago Borja, PRODUCTORA, Frida Escobedo y Tatiana Bilbao en Chicago 2015, a continuación.
Frida Escobedo | Reserva Material
Descripción de los autores:
En partes, apilado, roto, en piezas, aglomerado, clástico, reunido, idéntico, intercambiable. Estas son palabras cuidadosamente seleccionadas por el escultor Carl Andre como un prefacio a su propio trabajo, podríamos utilizar las mismas palabras para describir la Reserva Material de Frida Escobedo.
El proyecto de Escobedo plantea una serie de patios para complementar el programa del Stony Island Art Bank de Theaster Gates; un espacio para comisiones, exhibiciones, residencias de artistas y académicos y un sitio para resguardar el archivo de la Fundación Rebuild.
La demolición de edificios abandonados a causa de la violencia se ha convertido en una practica cotidiana en la zona. Este conflicto se desarrolla espacialmente, la apropiación del espacio se confunde con su dominación. Constantemente el valor de cambio ofusca su valor de uso. Como consecuencia, el barrio se abarrota de lotes vacíos llenos de pilas de antiguos tabiques. El tabique recocido, antiguo emblema de la ciudad de Chicago se percibe como cascajo.
Escobedo utiliza el material de demolición de la zona para crear una serie de patios de muro grueso. Los tabiques se apilan de manera que los muros pueden ser deconstruidos y reconstruidos en diferentes configuraciones. Funcionando como piezas en un tablero de juego, como herramientas para la negociación y el consenso. La yuxtaposición de la Reserva Material a un lado de las bóvedas vacías del banco, representa un elemento simbólico.
Cada patio puede entenderse como una torre de Babel invertida, donde la comunicación e interacción sirven para demoler muros de manera física y simbólica, creando un común denominador para la reapropiación de los diferentes actores. La posibilidad de deconstruir y reconstruir este paisaje en común permite al usuario cuestionarse y reconocerse entre la materialidad y el sentido.
PRODUCTORA + Iñaki Bonillas | Hotel Tulum
Descripción de los autores:
‘Hotel Tulúm’ es un proyecto de PRODUCTORA que empezó en el 2007. Era un pequeño hotel boutique de 10 habitaciones cercano al pueblo de Tulúm y al sitio arqueológico. Comenzó su construcción en el 2008, la obra negra estaba prácticamente concluida en el verano de ese año, cuando tensiones políticas entre el gobierno federal y municipal provocaron la clausura de la construcción. Por muchos años, el edificio permaneció ahí, construido a medias a un lado del Mar Caribe, esperando una solución a este estancamiento burocrático. La vegetación invadió el terreno, nuestros aplanados se desmoronaron, y de nuestras primeras intenciones solo sobrevivieron ruinas.
Por varios años, el proyecto quedó incompleto a la orilla del Mar Caribe, esperando a que el equipo de abogados y gestores encuentren una solución.La vegetación se reapropió del espacio, los aplanados se desmoronaron y el proyecto se volvió un refugio de la indigencia. De las intenciones originales del proyecto, solo sobrevivieron algunas ruinas. Finalmente, nuestros clientes decidieron vender el terreno y el proyecto se abandonó por completo.
Al yuxtaponer distintos estratos de tiempo y contexto, la exposición reconstruye el hotel inconcluso en una instalación con dos proyectores y una maqueta de latón. Se exponen imágenes del hotel en estado de deterioro, junto con anotaciones descriptivas de las ambiciones originales del proyecto. A través de citas e imágenes, la situación del proyecto se contrasta con el más amplio contexto cultural de la región. El proyecto hace referencia a Hotel Palenque (1972) de Robert Smithson, donde el artista retrata un momento específico en el cambio constante de una construcción. Al colocar dos proyectores en extremos opuestos de un cuarto, se proyectan dos historias diferentes sobre una misma pantalla traslúcida al centro. Cada narrativa tiene su propio ritmo e intervalos, lo que genera una combinación aleatoria de imágenes y textos (tanto legibles como espejeados). La maqueta de latón contrasta con esta complejidad intangible al ser la materialización de un típico proyecto de carácter modernista: un juego de escultura, masa y forma, construido con un material sólido que confirme su valor y atemporalidad.
La colaboración con el artista mexicano Iñaki Bonillas (quien ha trabajado con material archivo por muchos años) permitió resucitar las ruinas del Hotel Tulúm en un ensayo arqueológico centrado en las malinterpretaciones, reconstrucciones, y las diferentes nociones del tiempo.
Equipo de proyecto: PRODUCTORA (Wonne Ickx, Victor Jaime, Carlos Bedoya Ikeda, Abel Perles) con Iñaki Bonillas
Colaboradores: Juan Luis Rivera
Reconocimientos: Eduardo Garcia and Paulina Villa - Studio Arquitectos (imágenes archivo) y Maria Minera (textos)
Con el apoyo de la Secretaria de Relaciones Exteriores de México
Pedro&Juana | Querido Randolph
Descripción de los autores:
Querido Randolph,
¿Te acuerdas de cuando el Chicago Cultural Center era la biblioteca pública? ¿Te acuerdas de Randolph Square al lado de la calle Randolph? ¿Te acuerdas de los stands de periódico dentro del square, o prefieres llamarle plaza, que permitían que la gente de Chicago leyera la última edición del Diario? ¡Qué raro llamarle plaza!, considerando que se encuentra al interior de un edificio. En fin, Randolph Square era el lugar a donde ir a leer las últimas noticias o sólo a ver las fotos. Imagínate los encuentros sociales, discusiones políticas y los chismes de la mafia que sucedían dentro y fuera de la plaza.
.jpg?1446745313)
Más tarde, se mudaron los libros y con ellos se fueron los stands de periódico, los chismes y las discusiones políticas. Su naturaleza empezó a cambiar. Junto con su infraestructura el edificio progresaba. Se cerró el gas y se prendieron las luces eléctricas. Cuando el domo de cristal empezó a gotear, recibió un cascarón de concreto, State of the Art. No más luz natural, a partir de ese momento todo dependería de la luz eléctrica. Los mosaicos empezaron a despegarse del piso; se discutió la idea de cubrirlo con vinil pero ganó la alfombra. Luego llegó la luz fluorescente. No recuerdo si eso fue antes o después de la alfombra; mi memoria está un poco borrosa, por lo tanto no confíes mucho en ella.
.jpg?1446745167)
En algún momento se decidió demoler el edificio, pero como fue construido por medio de un aumento al impuesto del uno por ciento a los residentes de Chicago, los ciudadanos recordaron que el edificio les pertenecía y no lo permitieron. ¡Randolph Square cambió de nuevo! hoy le llaman “la sala de la ciudad”. ¡Imagínate algo íntimamente público! Se quitó la alfombra y relucieron los mosaicos; de pronto, apareció la plaza completamente desnuda con excepción de sus paredes y columnas cubiertas de mármol ¡Bastante moderno! Y al mismo tiempo algo romano, dentro de un edificio de excesos victorianos. Un montón de mesas extrañas, algunas provenientes de un bistró francés, algunas que parecen de la edad media, ocupan la plaza. No muy “sala” a excepción de los bailes que suceden el último viernes de cada mes.
El último rumor, dicen que Randolph Square ¡cambia de nuevo! Unos arquitectos quitarán la luz fluorescente de los plafones, reemplazándolas por una especie de telaraña triangular de piola de donde van a suspenderse unas esferas blancas que recuerdan a los arbotantes de gas de antaño. El sistema funciona a mano por medio de empujar y jalar. La luz y su sombra se transforman, prometiendo una sensación de cambio durante el día. Las paredes romanas de mármol se vestirán de pintura griega reconectándose con el plafón original y sus molduras. El espacio se volverá inestable, acercándose a un ideal de domesticidad en el espacio público. Existirán mecedoras que se mecerán dándole un grado de autonomía al sentado; sofás en los cuales te podrás recostar; y mesas para estar parado. Finas transgresiones tipológicas que le guiñen a algo más. Todo esto se sumará a la conversación entre el cuerpo y el objeto o, tal vez, sólo entre el mobiliario y los ciudadanos de Chicago que lo utilizarán.
.jpg?1446745511)
Siempre tuyos,
Pedro&Juana
Equipo: Maximilian Reuss, Ana Paula Ruíz Galindo
Reconocimientos: DUCO Laboratorio de Diseño, José Juan Santa María, Precisión en Cortes Lasser, Andrés de la Rosa, Juan Carlos Perea García, Vero&Angel.
Nota: Todos los muebles fueron diseñados por Pedro&Juana
Santiago Borja | THEATRE
Descripción de los autores:
THEATRE es un proyecto performático desarrollado por Santiago Borja para la Capilla Carr del Instituto Tecnológico de Illinois. La capilla Carr fue diseñada por Mies van der Rohe en los años cincuentas y es el único edificio de carácter religioso concebido por el arquitecto.
THEATRE se basa en la investigación que ha desarrollado en los últimos años en torno a los referentes históricos del inicio del Modernismo y la influencia que sobre él tuvieron algunas prácticas esotéricas europeas de principios del siglo XX. El desarrollo de la arquitectura moderna y el lenguaje de su interpretación y teorización conservan rastros de estas influencias que van más allá de las vertientes imperantes de análisis, especialmente de la fenomenología.
Utilizando las herramientas de las artes visuales, se establece una conexión entre la arquitectura y el esoterismo, mostrando que lo moderno viene más de una inspiración mística y espiritual que no de la idea inculcada de la racionalidad. Borja plantea la fuente de estas prácticas esotéricas, que buscaban dar un sentido diferente a la vida, como una reacción natural al nacimiento de la industrialización y la mecanización en el siglo 19. Por otro lado establece que el resurgimiento de estas mismas prácticas hoy en día, bien podría ser una respuesta a las mismas limitaciones que nos impone la vida moderna.
En THEATRE, Santiago Borja propone reinstaurar esa presencia generadora en la arquitectura a través del trabajo de Ingrid Everwijn, ejecutante esotérica que practica la euritmia: una experiencia corporal que busca un acercamiento holístico al espacio, mediante una serie de movimientos codificados y en la que el macrocosmos y el microcosmos se entrelazan. Rudolf Steiner y María Sivers desarrollaron la euritmia a principios del siglo XX al considerar que la cancelación del cuerpo expresivo muestra el movimiento intrínseco del “yo” en el cosmos.
La etimología de esta especie de gimnasia espiritual se relaciona con las “proporciones armónicas” y desde sus inicios estuvo vinculada a la arquitectura. La euritmia, en contraste con la danza o el teatro, consiste en la ejecución de una serie de movimientos enfocados hacia un cuerpo que percibe y no hacia uno que se expresa, en este sentido, no pretende transmitir emociones, pensamientos o un control técnicamente armonioso del cuerpo. No es movimiento que responda a una partitura musical o a la interpretación de algún contenido narrativo. La euritmia, en sus propios términos, abre un mundo que no es visible normalmente y que puede derivar en experiencias límite entre el mundo físico y el mundo espiritual.
La capilla Carr encarna paradigmáticamente el conflicto en el modernismo entre el pragmatismo y la creencia, entre la tautología y el otro mundo. Por tanto THEATRE, es una lectura perturbadora de la capilla de Mies van der Rohe: una caja de cristal y ladrillo para el Yo y lo trascendente. No es gratuito el famoso sobrenombre de Godbox. De modo que THEATRE también trata de trazar diversas genealogías de la arquitectura moderna: desde lo primitivo a lo esotérico, recordando nuestra relación anacrónica al espacio sagrado y volviendo a vincular la espiritualidad con la teatralidad bajo un disfraz diferente.
Autor: Santiago Borja
Curadora: Irene Sunwoo
Colaboradores: Teresa Ginés Sánchez, Victoria Ginés Sánchez, Minerva Ginés Sánchez, Enedina Sánchez Hernández, Higinia Sánchez Hernández, María Esmeralda Montaño
Euritmia: Ingrid Everwijn de Eurythmeum CH, Dornach Suiza
Petates: Grupo Palma Blanca de San Luis Atolotitlán, Puebla
Estructura desmontable: TUUX, (Rodolfo Samperio), México D.F.
Montaje: Equipo de mantenimiento del IIT, Chicago Illinois
Coordinadora en IIT: Sarah Rogers Morris
Con el apoyo de: Mies van der Rohe Society, IIT, Chicago, Estados Unidos, Illinois Institute of Technology, Chicago, Estados Unidos, Amexcid, Agencia Mexicana de Cooperación Internacional para el Desarrollo, México y Conaculta-Fonca, México
